Zéro Deux # 105 | Move 2023 Undisciplined bodies / Wondrous demons

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The Move festival at Centre Pompidou, curated by Caroline Ferreira, revolves around the ever more asserted premise: to speak, move, hope, and project without reservation. The festival’s carefully selected program features predominantly female artists, reflecting a bold political and intellectual stance. By giving thought and space to marginalized bodies, the festival embraces an active role in advocating for underprivileged individuals. The edition’s title, derived from a quote in Helene Cixous’s essay “Le sexe ou la tête” references women experiencing hysteria as “wondrous demons.” It is by no means a surprise that this 1976 text could serve as a valuable handbook to reading the entire festival, understanding the body beyond the confines of cis-male norms, and viewing it as a precious tool for those who choose to live outside preconceived and manufactured traditions.    

Wondrous demons

“The hysteric is a wondrous demon that is always at the edge, the turning point, of making. She is one that does not make herself… she does not make herself, but she does make the other.” 

We will begin with a part of the Move festival which is an invitation to transcend the confines of an orderly and predictable binary approach to reality and conventional behavior. Questioning modern-day societal norms and traditions, the artists delve into alternative ways of existence, movement, sounds, and appearance. The festival exposes the limitations of a binary mindset of the notion of the couple – man and woman – based on pure opposition, deeply ingrained in the Judeo-Christian tradition, where the dichotomy between good and bad is reinforced. Those supporting the norms dictated by a male-dominated societal system are often labeled as normal, good, angelic and godly, on the opposite, those who deviate are designated as abnormal, non-conforming, bad, or demonic. Needless to say, the festival celebrates precisely these individuals, reclaiming the aforementioned terms outside the realm of judgmental value systems and recognizing them as wondrous qualities.

Lara Damaso’s performance within her in situ installation, Gravity and Grace, invites the audience to witness her move within the space on a predefined trajectory, guided by the lines formed by the sewn-together curtains. Her voice, raw and resonant, emanates from the depths of her being, intertwining with instinctual, carnal movements. In a circular movement, she breathes the space in and out. Damaso’s exploration does not simply question normality and norms; instead, she praises the essence of our shared humanity. Her costume constructed as a continuation of the fabric installation reveal parts of her naked body, confronting the notion of seduction. Her female body comes as the symbol of womanhood, fertility, procreation, transformation, yet by no means evokes any lack. It transpires with a sense of unity and completion, a sort of human harmony. As she moves amidst the crowds, and while allowing room for the public she simultaneously carves out her own space, symbolizing the fair-minded struggle for a room of one’s own according to Virginia Woolf’s renowned title. 

Similarly to Damaso’s work, Natasza Gerlach’s piece Eventfully Tender is immersive yet not participative. It stages four performers constantly navigating the space in an ongoing negotiation in between themselves and the others. Revolving around the ideas of empathy, tenderness, and intimacy, the performers occupy the space and divide their responsibilities and presence. With diverse aesthetics and technical qualities, they manipulate the tension and energy within the room, shaping the entire spectacle around their collective actions. This responsibility extends also to the spectators, who must choose their own vantage point, recognizing that focusing on one fragment of the play limits their observation of others. 

Adopting an East-block aesthetic, characterized by black and white palettes and materials such as latex, polyester, and cotton, Gerlach’s performers erase binary gender differences. On the verge of the sublime, they embody both beauty and fright. Their pupil-less eyes and slow-motion, tensed movements evoke survivors in a post-apocalyptic or parallel reality. The climax of the performance unfolds as a ceremony of closeness, where performers assist one another in removing covers from their eyes, allowing them to finally see. A symbolic change of state, the characters acquire the sense of sight through the tender touch of their peers. 

The performance follows a predefined narrative structure that serves as an abstract play, an open canvas inviting external projection. Accompanied by penetrating music, the choreography provides enough tangible elements to anchor the viewer to the story.

The general idea of transformation, even transmutation through an by the other, and more specifically that of the transgression of multiple realities with one’s body is further developed by Dorota Gawęda & Eglė Kulbokaitė’s play BROOD. Its performers trespass time and space and hunt the spaces of the Centre Pompidou over the course of a day. Intermixing their identities, with horns protruding from their faces, they embody otherworldly beings conversing with invisible entities and singing in polyphonic voices inspired by Lithuanian and Greek folk traditions. The duo’s installation, SULK, explores deeper the notion of simultaneous existence. Transparent glass and metal panels resembling unusual doors offer glimpses into a different world, while a sci-fi-inspired object at the entrance acts as a futuristic remote control for a ship traveling through space and time. Permeating the space, a peculiar scent instinctually transcends us somewhere else, beyond the confines of the Centre Pompidou. Later revealed as remnants from a previous performance, the folding screens and the specially crafted perfume, replicating the fragrance of another space, serve as relics of the past.

Affirming the difference

“Women have it in them to organise this regeneration, this vitalisation of the other, of otherness in its entirety. They have it in the to affirm the difference, their difference, such that nothing can destroy that difference, rather that it might be affirmed, affirmed to the point of strangeness.” 

Cixous acknowledges women as necessarily different within a male-dominated society, pioneers in a struggle now encompassing the entire queer community. That said, escaping the complex web of a cis-male-dominated culture through exclusion is not viable, not even desirable, for those seeking precisely inclusion within society. Erasing or altering the past rids us of key values embodied in our existence, thus creating gaps ultimately leading to shaky foundations. It is in this context that certain artists prefer transforming and reinterpreting existing archetypes, proposing a different outcome based on familiar circumstances. For instance, both Alexandra Bachzetsis and Sophie Jung challenge the archetype of the reclining woman, liberating her from passivity and empowering her with independent thoughts and intentions. In Bachzetsis’ three-channel video installation, 2020:Obscene, various figures, both female and male, are depicted lying down, including the artist herself. However, the portrayal of the reclining woman is dynamic, actively turning and standing, moving and walking. The three screens display an ongoing sequence of scenes, each accompanied by its own music and colors. With slight time-lags, these screens position the viewer slightly ahead or behind the action, while one screen is locates the viewers gaze behind the camera. This arrangement creates an immersive experience, where the viewer is given the illusion of being involved as an active observer within the filming crew, able to intervene and control the action by saying “CUT” at any moment.    

Similarly, Sophie Jung begins her performance “Woman in an Exterieur (The Pisser)” laying down on a reclining chair in the midst of the 5th-floor permanent modern masters collection at the Centre Pompidou. Portraying the nude character Frau Welt, she embodies the omnipresent muse depicted in many artworks within the collection. However, she disrupts the conventional narrative by actually taking the microphone and speaking. What would a muse say of her private collection if given the opportunity? Her speech is rapid and articulate, revealing stories and secrets that guide the viewer through works by artists such as Picasso, Le Corbusier, Otto Dix, Man Ray, Balthus, and more. With an intricate use of wordplay, Jung transforms the speech in Lacanian terms, unearthing new meanings in established sentences. She discusses loneliness, museums as crypts, bodies to be displayed and played, of touching and especially no touching, insurrection, erection, correction, collection, cumlection. 

Both artists, Jung and Bachzetsis subvert the notion of the male gaze and challenge the overall gaze within the history of art, without searching for new targets to observe but themselves, gradually transforming into anti-muses.

Gerard & Kelly offer a distinct, yet aligned perspective with the principles of affirming difference, through their remarkable staging of an opera-ballet based on Julius Eastman’s composition, “Gay Guerilla.” The performance serves as an activation of an existing installation situated in Gallery 3, featuring three pianos, two cellos, floor and wall neon light installations, as well as works on paper. Eastman, an openly gay black man, fervently sought a place within a world that often rejected individuals like him, paralleling the efforts of Sophie Jung and Alexandra Bachzetsis in carving their own space within an art world dominated by male principles. Guided by Gerard & Kelly, classically trained dancers embody Eastman’s music and persona, evoking a sense of wildness, grandeur, delirium, and even the demonic. Simultaneously, the play creates a space for care, pleasure, reciprocity, and touch, offering an experience that is both transformative and nurturing.

Laugh

“Laughter that breaks out, overflows, a humour no one would expect to find in women — which is nonetheless surely their greatest strength because it’s a humour that sees a man much further away than he has ever been seen.”  

A strong laugh is neither nervous nor mocking, it is taking ownership of a situation that has been apprehended and understood. A laugh is a punctuation mark in a narration, it is an open door to viewing things from a distance. Marijke de Roover’s work Cum As Your Madness is a strong commentary on the treatment of women through the witch trial periods and its repercussions on our present-day cross-gender correspondence. At the same time, the work is interlaced with pornographic scenes, depicting consented BDSM moments. Subtly, the artist opens a discussion about violence and aggression, as what seems a metaphor of non-conventional sexual practices, especially when they touch the sacred interpretation of holy womanhood. Often perceived as male qualities, they are in fact a release of strength, tension, and energy, qualities incompatible with the women in the past, which provoked fear and eventually repression.

Constructed as a recorded video game, the main character travels from point to point to reveal various locations and aspects to be accessed through play. Wholeheartedly embracing humour, the artist is allowing the viewer to take a step back and apprehend the information in a more neutral way, away from pathos and emotion. Under the guise of ironic lightness, the artist is able to send across sizeable amounts of information. The shock comes as an aftermath, leaving the viewer with a profound realization that laughter can be both a shield and a weapon, capable of dismantling societal norms and igniting critical introspection.

1 Cixous, Hélène, and Annette Kuhn. “Castration or Decapitation?” Signs, vol. 7, no. 1, 1981, pp. 41–55. JSTOR, http://www.jstor.org/stable/3173505. Accessed 12 July 2023.
2 Ibid.
3 Ibid.

Article published on https://www.zerodeux.fr/en/reviews-en/move-2023-undisciplined-bodies-wondrous-demons/

Alexandra Bachzetsis, Lara Dâmaso, Dorota Gawęda & Eglė Kulbokaitė, Gerard & Kelly, Natasza Gerlach, Sophie Jung, Marijke de Roover  

Le festival Move du Centre Pompidou, sous le commissariat de Caroline Ferreira, s’articule autour du principe de plus en plus affirmé de parler, bouger, espérer et se projeter sans réserve. La programmation du festival, soigneusement sélectionnée et articulée autour de la création majoritairement féminine, reflète une position politique et intellectuelle déterminée. En accordant un espace réflectifaux corps marginalisés, le festival joue un rôle actif dans la défense des personnes défavorisées. Le titre de l’édition, dérivé d’une citation de l’essai d’Hélène Cixous “Le sexe ou la tête », qualifie les femmes souffrant d’hystérie de « merveilleux démons”. Ce n’est donc pas une surprise que ce texte de 1976 pourrait servir de précieux manuel pour appréhender l’ensemble du festival, afin de comprendre le corps au-delà des limites des normes masculines cisgenres et de le considérer comme un outil précieux pour ceux qui choisissent de vivre en dehors de traditions préconçues et fabriquées.

Merveilleux démons

“L’hystérique, c’est un merveilleux démon qui est toujours dans la division, dans la ruse du faire. Elle est quelqu’un qui ne se fait pas… elle ne se fait pas mais elle fait l’autre.” 

C’est par cette partie du festival Move que l’on commence, qui se présente comme une invitation à transcender les limites d’une approche binaire, ordonnée et prévisible de la réalité et du comportement conventionnel. Remettant en question les normes et les traditions de la société moderne, les artistes explorent d’autres modes d’existence, de mouvement, de son et d’apparence. Le festival expose les limites d’une mentalité binaire de la notion de couple – homme et femme – basée sur une pure opposition, profondément ancrée dans la tradition judéo-chrétienne, où la dichotomie entre le bien et le mal est renforcée. Ceux qui respectent les normes dictées par un système sociétal dominé par les hommes sont souvent qualifiés de normaux, bons, angéliques et pieux, tandis que ceux qui s’en écartent sont désignés comme anormaux, non conformes, mauvais ou démoniaques. Inutile de dire que le festival célèbre précisément ces personnes, en récupérant les termes susmentionnés en dehors du domaine des systèmes de valeur fondés sur un jugement discriminatoire, et en les reconnaissant comme des qualités merveilleuses.

La performance de Lara Dâmaso dans son installation in situ, Gravity and Grace, invite le public à la voir se déplacer dans l’espace selon une trajectoire prédéfinie. Elle est guidée par les lignes formées par des rideaux cousus ensemble qui composent l’installation. Sa voix, crue et résonnante, émane des profondeurs de son être et se mêle à des mouvements instinctifs et charnels. Comme un mouvement circulaire, elle inspire et expire l’espace même. L’exploration de Dâmaso ne remet pas simplement en question la normalité et les normes ; elle loue plutôt l’essence de notre humanité partagée. Son costume, construit dans le prolongement de l’installation en tissu, révèle des parties de son corps nu, confrontant la notion de séduction. Son corps se montre comme le symbole de la féminité, de la fertilité, de la procréation, de la transformation, mais n’évoque en aucun cas un manque. Il transparaît avec un sentiment d’unité et d’achèvement, une sorte d’harmonie humaine. Alors qu’elle se déplace au milieu de la foule, tout en laissant de la place au public, elle se taille en même temps sa propre place, symbolisant la lutte équitable pour un lieu à soi selon le titre mythique de Virginia Woolf.

Tout comme le travail de Dâmaso, la pièce Eventfully Tender de Natasza Gerlach est immersive mais non participative. Elle met en scène quatre performeur/euses qui naviguent constamment dans l’espace dans une négociation permanente avec l’autre. Tournant autour des idées d’empathie, de tendresse et d’intimité, les performeur/euses occupent l’espace et se répartissent les responsabilités et leur présence. Avec des esthétiques et des qualités techniques diverses, ils manipulent la tension et l’énergie dans l’espace, façonnant l’ensemble du spectacle autour de leurs actions collectives. Cette responsabilité s’étend également aux spectateurs, qui doivent choisir leur propre point de vue, en acceptant que le fait de se concentrer sur un fragment de la pièce limite leur observation des autres. 

Adoptant une esthétique du bloc de l’Est, caractérisée par des palettes noires et blanches et des matériaux tels que le latex, le polyester et le coton, les performeur/euses de Gerlach effacent les différences binaires entre les sexes. À la limite du sublime, ils/elles incarnent à la fois la beauté et l’effroi. Leurs yeux sans pupille et leurs mouvements tendus au ralenti évoquent les survivant/es d’une réalité post-apocalyptique, voire parallèle. Le point culminant de la performance se déroule comme une cérémonie de l’intime, où les performeur/euses s’entraident à retirer les lentilles des yeux, leur permettant ainsi de voir enfin. Comme un changement d’état symbolique, les personnages acquièrent le sens de la vue grâce au tendre toucher de leurs pairs.

La performance suit une structure narrative prédéfinie qui se montre comme une pièce de théâtre abstraite, une toile ouverte invitant à la projection extérieure. Accompagnée d’une musique pénétrante, la chorégraphie fournit suffisamment d’éléments tangibles pour ancrer le spectateur dans la narration.

Cette idée de la transformation, voire de la transmutation par l’autre, et plus spécifiquement celle de la transgression de multiples réalités par le corps, se retrouve aussi dans la pièce BROOD de Dorota Gawęda & Eglė Kulbokaitė. Ses performeur/euses traversent le temps et l’espace et hantent les salles du Centre Pompidou au cours d’une journée. Avec des cornes qui poussent de leurs visages,  ils/elles entremêlent leurs identités, incarnant des êtres d’un autre monde. On les entend converser avec des entités invisibles et chanter en polyphonie s’inspirant des traditions folkloriques lituaniennes et grecques. L’installation du même duo artistique, SULK, s’approfondit sur la notion de l’existence simultanée. Des paravents transparents en verre et en métal ressemblant à des portes improbables laissent entrevoir un autre monde, tandis qu’un objet inspiré de la science-fiction situé à l’entrée fait office de télécommande futuriste pour un vaisseau voyageant à travers le temps et l’espace.

Une odeur particulière imprègne l’espace et nous transporte instinctivement ailleurs, au-delà des limites du Centre Pompidou. Révélés plus tard comme des vestiges d’une performance précédente, les paravents et le parfum spécialement conçu, reproduisant l’odeur d’un autre espace, servent de reliques du passé.

Affirmer la différence 

“Les femmes ont en elles de quoi pouvoir organiser cette survie ou cette animation de l’autre, de l’altérité dans son intégrité. Elles ont en elles de quoi affirmer la différence, leur différence telle que rien ne puisse détruire cette différence, mais qu’elle soit au contraire affirmée, et affirmée jusqu’à l’étrangeté.” 

Cixous décrit les femmes comme nécessairement différentes au sein d’une société dominée par les hommes, étant ainsi pionnières d’une lutte qui englobe aujourd’hui l’ensemble de la communauté queer. Cela dit, échapper au réseau complexe de la  culture dominée par les cishommes via le biais de l’exclusion n’est pas viable ou désirable pour ceux et celles qui cherchent précisément à s’intégrer dans la société. Effacer ou modifier le passé nous prive de valeurs essentielles incarnées dans notre existence, créant ainsi des lacunes qui aboutissent finalement à des fondations précaires. C’est dans ce contexte que certain/es artistes préfèrent transformer et réinterpréter les archétypes existants, en proposant une version alternative basée sur des circonstances familières. Par exemple, Alexandra Bachzetsis et Sophie Jung remettent en question l’archétype de la femme allongée, en la libérant de sa passivité et en la dotant de pensées et d’intentions indépendantes. Dans l’installation vidéo de Bachzetsis, 2020:Obscene, divers personnages, féminins et masculins, sont représentés allongés, y compris l’artiste elle-même. Cependant, la représentation de la femme allongée est dynamique, elle bouge, se tient debout, se tourne et marche. Les trois écrans affichent une séquence continue de scènes, chacune accompagnée de sa propre musique et de ses propres couleurs. Avec de légers décalages, ces écrans placent le spectateur légèrement en avant ou en arrière de l’action, tandis qu’un écran place le regard du spectateur derrière la caméra. Cette disposition crée une expérience immersive, où le spectateur a l’illusion d’être un observateur actif au sein de l’équipe de tournage, capable d’intervenir et de “couper” l’action à tout moment.

De même, Sophie Jung commence sa performance « Femme dans un extérieur (La Pisseuse) » allongée sur une méridienne au milieu de la collection permanente d’oeuvres de la modernité du 5e étage du Centre Pompidou. Représentant le personnage Frau Welt, elle incarne la muse nue et omniprésente figurant dans de nombreuses œuvres d’art de la collection. Cependant, elle bouscule le récit conventionnel en prenant le micro et la parole. Que dirait une muse de sa collection privée si elle en avait l’occasion ? Son discours est rapide et articulé, révélant des histoires et des secrets qui guident le spectateur à travers des œuvres d’artistes tels que Picasso, Le Corbusier, Otto Dix, Man Ray, Balthus et bien d’autres encore. Grâce à un jeu de mots complexe, Jung transforme le discours en termes lacaniens, découvrant de nouvelles significations dans les phrases énoncées. Elle évoque la solitude, les musées en tant que cryptes, les corps à poser et à exposer, le fait de toucher et surtout de ne pas toucher, l’insurrection, l’érection, la correction, la collection et la cumllection. 

Les deux artistes, Jung et Bachzetsis, détournent la notion de regard masculin et remettent en question notre perception de l’histoire de l’art. Sans pour autant chercher de nouvelles cibles à observer, elles se transforment progressivement en anti-muses.

Gerard & Kelly offrent une perspective distincte, mais alignée sur les principes d’affirmation de la différence, à travers leur remarquable mise en scène d’un opéra-ballet basé sur la composition de Julius Eastman, « Gay Guerilla ». La performance est une activation d’une installation existante située dans la galerie 3, comprenant trois pianos, deux violoncelles, des installations de néons au sol et au mur, ainsi que des œuvres sur papier. En écho aux efforts de Sophie Jung et d’Alexandra Bachzetsis pour se faire leur propre place dans un monde de l’art dominé par des principes masculins, Eastman, un homme noir ouvertement gay, a cherché avec ferveur dans les années 1970 à se faire une place dans un monde qui rejetait souvent les individus comme lui. Sous la direction de Gerard et Kelly, des danseurs classiques de l’Opéra de Paris et de l’American Modern Opera Company incarnent la musique et le personnage d’Eastman, évoquant les sentiments de ferveur sauvage, de grandeur, de délire, voire du démoniaque. Simultanément, la pièce crée un espace pour l’idée du care, du plaisir, de la réciprocité et du toucher, offrant une expérience à la fois transformatrice et nourricière.

Le rire

“C’est l’éclat, c’est l’effusion, c’est un certain humour qu’on ne s’attend jamais à trouver chez les femmes et qui pourtant est sûrement leur force la plus grande parce que c’est l’humour qui voit l’homme beaucoup plus loin qu’il ne s’est jamais vu.”

Un rire fort n’est ni nerveux ni moqueur, il est l’appropriation d’une situation appréhendée et comprise. Un rire est un signe de ponctuation dans une narration, c’est une porte ouverte sur une vision distanciée des choses. L’œuvre Cum As Your Madness de Marijke de Roover est un commentaire puissant sur le traitement des femmes à l’époque des procès en sorcellerie et ses répercussions sur les correspondances actuelles entre les sexes. En même temps, l’œuvre est entrelacée de scènes pornographiques, décrivant des moments BDSM consentis. Subtilement, l’artiste ouvre une discussion sur la violence et l’agression, apparaissant commeune métaphore des pratiques sexuelles non conventionnelles, en particulier lorsqu’elles touchent à l’interprétation sacrée de la sainte féminité. Souvent perçues comme des qualités masculines, elles sont en fait une libération de la force, de la tension et de l’énergie, des qualités incompatibles avec les femmes d’autrefois, ce qui a pu provoquer la peur et finalement la répression. Construit comme un jeu vidéo, le personnage principal voyage d’un point à l’autre pour révéler divers lieux et aspects auxquels on peut accéder en jouant. Faisant la part belle à l’humour, l’artiste permet au spectateur de prendre du recul et d’appréhender l’information de manière plus neutre, loin du pathos et de l’émotion. Sous l’apparence de la légèreté, l’artiste parvient à faire passer une quantité importante d’informations. Le choc vient après, laissant le spectateur avec la profonde prise de conscience que le rire peut être à la fois un bouclier et une arme, capable de démanteler les normes sociétales et de déclencher une introspection critique.

1 Cixous Hélène. Le sexe ou la tête ?. In: Les Cahiers du GRIF, n°13, 1976. Elles consonnent. Femmes et langages II. pp. 5-15. 
2 Ibid.
3 Ibid.

Article publié sur Move 2023 Corps indisciplinés / Merveilleux démons | Zérodeux / 02 (zerodeux.fr)

Info+

– publication text – 

Centre Pompidou
15 Jun – 2 Jul 2023

Alexandra Bachzetsis, Lara Dâmaso, Dorota Gawęda & Eglė Kulbokaitė, Gerard & Kelly, Natasza Gerlach, Sophie Jung, Marijke de Roover.