Zéro Deux # 107 | Radek Brousil at the Stone Bell House, Prague.

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With the exhibition “Can You Still Feel the Butterflies?”, centered around the eponymous film, Radek Brousil orchestrates a crescendo of in situ installations, anticipating the viewing of the film itself.

The exhibition takes place in the medieval cellar of Prague City Gallery’s Stone Bell House, amplifying its visual impact through an unexpected background that takes the viewer out of the contemporary context. Each space contains an in situ installation that functions on its own but is also referenced in the film. It is impossible to determine which of the two, the film or the physical works, leave a greater impression, as they could exist independently yet mutually reinforce each other’s imprint on the viewer’s consciousness. Radek Brousil marvelously integrated the show in the raw space of the gothic, medieval cellar, without undermining its visual, historical, and contextual importance. All the while, his work maintains prominence without being overshadowed by the imposing setting. 

The course of the exhibition is smartly set up in such a way that its progression inevitably guides the visitors through all the spaces and installations in anticipation to the final room where the video loops. Experiencing the works beforehand leaves a visual and emotional trace on the visitors, culminating with the film, which in turn, gives further meaning to the works and the exhibition overall.

Set in a contemporary urban environment, the film follows the main character, dressed in a flamboyant, yet ragged costume of a fish – dubbed the “half-dead fish” by Radek Brousil. And like a fish outside of water, the character feels incongruous amidst the dystopian, deteriorating modernism covered in graffiti tags. Embarking on an initiatory journey, the protagonist finds himself in another space, where he holds a conversation with an otherworldly figure. Their interaction describes their opposing views on the state of the world and seems at first as an intergenerational debate. She reminds him of the essence of nature “Can you still feel the butterflies?”, “Can you still see the sun?” and tells him that guilt and shame – flying shame, eating shame, shopping shame – will always be there. The fish replies that he feels “no shame, no guilt”, doing his best in the world he lives in. As the film unfolds, it becomes apparent that the two characters are in fact each other’s alter egos: the ethereal, Pierrot-like woman juxtaposed against the patchwork-clad Harlequin-esque half-dead fish. Their dialogue delves into themes of morality and existential reflection, yet no outcome is found. It all rather sounds like a poetic, metaphorical discussion about the inevitability of the end of the world. 

Throughout the entire duration of the film we can read the motif of duality, or otherness: the character and his surroundings, his general condition alternating in between being energetic, skating and running, but also appearing as a passive, apathetic figure, sliding off stairs or into the skating pit, as well as his journey from one world to another, or yet again, Harlequin and Pierrot.

Nonetheless, the character manages to reconcile and integrate the two opposing sides within himself. This reconciliation was perhaps his original condition, for he is the half-dead, and hence, half-alive fish. 

The artist conceived the in situ installations with works directly or indirectly referencing the film. For example, the many fabrics one sees in the first room which compose the work “I know how guilty one can feel” are seen in the film in a larger scale, composing the throne of the Pierrot character. On its own, however, this work speaks of the abusive appropriation of the African wax fabric industry by the old world. Denouncing present-day colonial attitudes, Brousil criticises a local Czech company, that sells cheaply produced fabrics well below ancestral traditional standards back to African countries at a fraction of the price of the originals. In the second room, we see a gate made of cloth yet representing a stone construction “I don’t know if anything at all will be all right”, as a reference to two important sculptural groups: the colossal 9-meter-high “Devils Heads”, which appears also at the end of the film, and the man-made caves at Klácelka. These works were carved into rock by Vaclav Levy, lesser-known today, yet one of the proponents of Czech modernist art already in the mid-19th century. 

Radek Brousil skilfully aligns the atmosphere of the film’s surroundings, — a concrete jungle at first, later transformed into a surreal background showing impressive glass cupolas and giant forest sculptures — with the underground space of a 14th-century cellar. The use of colored light, both in the scenography of the exhibition and within the film itself, saturates the setting with a phantasmagorical ambiance. This lingering feeling of nostalgia creeps up, especially upon realizing that most of the film’s dialogue and musical score is inspired by early 2000s emo songs. 

In the end, the most important aspect that will align the viewers with a work of art is honesty. “Can you still feel the butterflies?” perspires with raw candour, showing intimate details from the artist’s past and environment, as well as encapsulating the era in which he and we live today.

Article published on Radek Brousil at Stone Bell House, Prague | Zérodeux / 02 (zerodeux.fr)

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Avec l’exposition « Can You Still Feel the Butterflies? », centrée sur le film éponyme, Radek Brousil orchestre un crescendo d’installations in situ, anticipant le visionnage du film lui-même.

L’exposition se passe dans la cave médiévale de la Maison de la Cloche en Pierre de la Galerie municipale de Prague, amplifiant son impact visuel grâce à un arrière-plan venu d’antan qui extrait les spectateurs du contexte contemporain. Chaque espace contient une installation in situ qui fonctionne de manière autonome, tout en étant également citée dans le film. Il est impossible de déterminer si le film ou les œuvres laisseront une plus forte impression, car les deux entités peuvent exister indépendamment tout en renforçant mutuellement leurs empreintes sur la conscience des spectateurs. Dès lors, l’artiste a pu merveilleusement intégrer l’exposition dans l’espace brut de cette cave gothique, sans miner son importance visuelle, historique et contextuelle. Toutefois, les œuvres de Radek Brousil sont mises en valeur sans être éclipsées par le cadre imposant. 

Le parcours de l’exposition est intelligemment conçu, de telle sorte que sa progression guide inévitablement les visiteurs à travers tous les espaces et installations jusqu’au dernier : la salle du film. L’expérience préalable des œuvres laisse ainsi une trace visuelle et émotionnelle sur les visiteurs. Le point culminant étant le film, il donne à son tour un sens supplémentaire aux œuvres et à l’exposition dans son ensemble.

Se déroulant dans un environnement urbain contemporain, le film suit le personnage principal, vêtu d’un costume flamboyant en lambeaux d’un poisson surnommé le “half-dead fish” ou le « poisson à moitié mort » par Brousil. Comme un poisson hors de l’eau, le personnage semble incongru au milieu de ce modernisme dystopique et dégradé couvert de graffitis. Embarqué dans un voyage initiatique, le protagoniste se retrouve dans un autre espace, où il tient une conversation avec une figure d’un autre monde. Leur interaction s’enchaîne autour de leurs points de vue opposés sur l’état du monde et ressemble d’abord à un débat intergénérationnel. Elle lui rappelle l’essence de la nature (« Peux-tu encore sentir les papillons ? », « Peux-tu encore voir le soleil ? ») et lui inflige que la culpabilité et la honte – la honte de voler, la honte de manger, la honte de faire les courses – seront toujours là. Le personnage du poisson répond qu’il n’éprouve « ni honte, ni culpabilité » et qu’il fait de son mieux dans le monde dans lequel il vit. Au fil du film, il devient évident que les deux personnages sont en fait les alter ego de l’un et de l’autre : la femme éthérée, habillée à la Pierrot, juxtaposée au poisson à moitié mort, vêtu de patchwork, à la manière d’un Arlequin. Leur dialogue aborde les thèmes de la morale et de la réflexion existentielle, mais ne trouve pas d’issue. Tout cela ressemble plutôt à une discussion poétique et métaphorique sur l’inéluctabilité de la fin du monde.

Les motifs de la dualité ou de l’altérité sont retracés tout au long du film : le personnage et son environnement, son état général alternant entre l’énergie, le skating et la course, mais aussi la passivité et l’apathie, sa glissade dans les escaliers ou dans la fosse de skating, ainsi que son voyage d’un monde à l’autre, ou encore Arlequin et Pierrot.

Néanmoins, le personnage parvient à réconcilier et à intégrer les deux côtés opposés en lui-même. Cette réconciliation serait peut-être sa condition originelle, lui étant le poisson à moitié mort, et donc à moitié vivant. 

L’artiste a conçu les installations avec des œuvres faisant directement ou indirectement référence au film. Par exemple, les nombreux tissus que l’on voit dans la première salle et qui composent l’œuvre « I know how guilty one can feel » sont vus dans le film à plus grande échelle, composant le trône du personnage de Pierrot. En soi, cette œuvre parle cependant de l’appropriation abusive de l’industrie africaine du tissu wax. Dénonçant les attitudes coloniales actuelles, Brousil critique une entreprise tchèque locale qui vend aux pays africains des tissus produits à bas prix, bien en deçà des normes traditionnelles ancestrales, pour une fraction du prix des originaux. Dans la deuxième salle, nous voyons un portail fait encore de tissu et représentant une construction en pierre – « I don’t know if anything at all will be alright », en référence à deux groupes sculpturaux importants : les colossales « Têtes de diables » de 9 mètres de haut, qui apparaissent également à la fin du film, et les grottes creusées à Klácelka. Ces œuvres ont été sculptées dans la roche par Vaclav Levy, moins connu aujourd’hui, mais qui fut l’un des promoteurs de l’art moderniste tchèque dès le milieu du XIXe siècle.

Radek Brousil aligne habilement l’atmosphère de l’environnement du film – initialement une jungle de béton, transformée ensuite en un arrière-plan surréaliste montrant d’impressionnantes coupoles de verre et des sculptures géantes dans la nature – avec l’espace souterrain d’une cave du 14e siècle. L’utilisation de la lumière colorée, tant dans la scénographie de l’exposition que dans le film lui-même, sature le décor d’une ambiance fantasmagorique. Ce sentiment de nostalgie s’installe, surtout lorsqu’on se rend compte que la plupart des dialogues et de la musique du film sont inspirés de chansons emo du début des années 2000. En fin de compte, l’aspect le plus important qui aligne les spectateurs avec une œuvre d’art est l’honnêteté. Le film et l’exposition « Can you still feel the butterflies ? » transpirent d’une franchise crue, montrant des détails intimes du passé et de l’environnement de l’artiste, tout en résumant l’époque dans laquelle lui et nous vivons aujourd’hui.

Article publié sur https://www.zerodeux.fr/reviews/radek-brousil-a-la-maison-de-la-cloche-en-pierre-prague/

Info+

– publication text – 

Radek Brousil, « Can You Still Feel the Butterflies? »
8. 11. 2023 – 18. 2. 2024

Curatrice: Sandra Baborovská  
Maison de la Cloche en Pierre, Prague City Gallery (GHMP)